Lisen an repí.

Aquí teneis a uno de los hombres mas poderosos de España y como es fácil apreciar no lo es gracias a su nivel de inglés. Berto traduce para que nos partamos el ojal. Espero que la sexta no nos denuncie, en fin con la publicidad que le hacemos lo que deberían es pagarnos.

Mujeres al borde de un ataque de nervios

Mujeres al borde de un ataque de nervios es una película española dirigida por el director de cine Pedro Almodóvar en 1988.

Pepa e Iván son actores de doblaje. Por su profesión él ha declarado su amor a las mujeres más hermosas del cine y la televisión, lo malo es que no han sido las únicas. Después de una relación de años rompe con Pepa, le deja un recado en el contestador diciéndole que le prepare una maleta con sus cosas. Pepa no soporta la casa llena de recuerdos y la pone en alquiler. Iván no llega, ni llama y mientras Pepa le espera, la casa se le va llenando de gente a través de los cuales descubre un montón de cosas sobre la soledad y la locura.

Sin duda alguna la primera gran obra maestra de ese incomparable (e irrepetible) genio que es Pedro Almodóvar, deliciosa e irresistible comedia de situación que gira en torno a la soledad de las mujeres en un mundo dominado por hombres que las engañan, mienten, ningunean y hasta enloquecen. Con un guión repleto de escenas brillantes, de personajes magnificamente escritos, con diálogos divertidísimos y un ritmo excelente, sin apenas baches (algo inusual en el Almodóvar de la época), consigue el director manchego dar vida, en el efervescente Madrid de los años 80, a diferentes mujeres abandonadas por sus parejas en el momento más inoportuno de sus vidas para, a través de excelentes y divertidísimas escenas, conducirlas a un mismo punto de encuentro tanto físico como emocional. Clásico indiscutible de nuestro cine, que forma incluso parte de la cultura popular (¿quién no se acuerda de ella cada vez que saborea un gazpacho?), tiene para el recuerdo personajes míticos de la cinematografía patria que luego han sido copiados hasta la saciedad: la telefonista repelente y chismosa de Loles León, la portera Testigo de Jehová de Chus Lampreave, la actriz cortita de María Barranco y sus pendientes cafetera, el taxista hortera de Guillermo Montesinos... y, por supuesto, esa inconmensurable Carmen Maura interpretando a Pepa, la mujer al borde de un ataque de nervios que busca incesantemente por toda la capital, pegada al teléfono y al contestador automático, al hombre que acaba de dejarla en la estacada justo cuando ella más lo necesita. La he visto docenas de veces y siempre me parece igual de fresca, divertida y entrañable que la vez anterior. Una absoluta maravilla.

Fuente: www.filmaffinity.com/es

Tim Burton ''Vincent''

El cortometraje Vincent fue realizado por Tim Burton y Rick Heinrichs en 1982, y cuenta la historia de un niño de 7 años llamado Vincent Maloy, quien está obsesionado con el actor Vincent Price (éste último presta su voz de narrador) y todos sus papeles de cine, así como de Edgar Allan Poe.

Es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton y utiliza la técnica de animación stop-motion (cuadro por cuadro) con muñecos de ojos grandes y lúgubres figuras de arcilla, con un excelente guión y música, muestra el lado que siempre le gustó a Tim Burton, la oscuridad, desesperación, miedo y figuras transroscadas.

Cuenta con la fotografía de Victor Abdalov y la música es de Kent Hilton.

Muestra el mundo de Vincent y cómo su obsesión transporta al espectador hacia una trama entre imaginación y realidad.

Vincent es tranquilo y obediente, y en sus fantasías sueña con ser su idolatrado Vincent Price, uno de los intérpretes de terror más admirados y respetados de la historia del séptimo arte.

Vincent está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss ("How the Grinch stole Christmas", entre otros) mientras trabajaba para la compañíaDisney. Burton no estaba a gusto en Disney durante esta época porque allí no le permitían desarrollar sus ídeas, pero consiguió unir al animador Rick Heinrichs, al animador de muñecos Steven Chiodo y al cámara Victor Abdalov durante dos meses para darle forma a la poesía.

El personaje del niño está basado en el propio Burton, quien desde pequeño admiraba a Vincent Price. El niño es descrito por la voz del narrador, que es el auténtico Vincent Price, utilizando rimas que rinden claro homenaje a Edgar Allan Poe.

En el corto se pueden apreciar ideas que posteriormente podrán ser vistas en más trabajos de Burton. Por ejemplo los experimentos con animales (Frankenweenie y Mars Attacks!), el personaje solo e incomprendido (muy presente en casi todas sus películas y que aquí es más que en ninguna otra el propio Burton) y la estética general (Beetlejuice y Pesadilla antes de Navidad).

Vincent Price recitó la poesía para el corto y más tarde mantuvo una amistad con el director Burton que se materializó en una colaboración para Eduardo Manostijeras (y un documental inacabado filmado por Burton titulado Conversations with Vincent. Price murió en 1993).

El cortometraje fue proyectado durante dos semanas en un cine de Los Ángeles junto con la película Tex y consiguió ganar varios premios. El cortometraje acabó en los archivos de la Disney dado que no sabían que hacer con él. Se trataba de un corto de 6 minutos en blanco y negro que no tenía más mercado que el formato de los festivales de animación. Más tarde se recuperó para proyectarlo con "Pesadilla antes de Navidad" e incorporarlo en el DVD de la misma.

Fuente: Wikipedia

Jesucristo Superstar

Hoy, miércoles 30 de julio, a las 22 horas en la Casa del Inca, proyección de la película musical Jesucristo Superstar (Norman Jewison, 1973) dentro del Cineforum de verano 2008.

SINOPSIS: Famoso musical de rock basado a su vez en una exitosa obra de Broadway y que relata la historia de Jesús de Nazaret a través de canciones -no hay diálogos: todo es cantado-. Su banda sonora vendió millones de discos en todo el mundo.

Hacer un musical sobre las últimas horas de Cristo puede ser algo chocante pero se hizo y se hizo muy bien. La película narra de una forma un tanto surrealista esos últimos momentos, la llegada de un autobús al desierto de unos cantantes y actores un tanto hippys es realmente acertada, dado que el film es en realidad una ópera rock, y en vez de tener los típicos números musicales que nos tiene acostumbrado el cine americano nos ofrece un espectáculo visual mitad religioso mitad psicodélico, con unas voces portentosas y un vestuario más bien típico de la banda de James Brown que de la época de Cristo, aunque realmente la verdadera acción de la película no este ambientada en esa época, si no en el año 1973.Las canciones son potentes, guitarreras y desgarradoras, algunas de ellas fueron y son muy populares, con tanta calidad que no hace falta que durante todo el metraje nadie diga ni una palabra, y solamente hay que dejarse llevar por la música y la letra de las canciones, y sobre todo por ese final tan impactante.

Fuente: www.filmaffinity.com/es

La ley del deseo

La ley del deseo es una película española dirigida por Pedro Almodóvar y estrenada el 7 de febrero de 1987.

La ley del deseo cuenta la historia de Pablo (Eusebio Poncela), un director de cine homosexual que conoce a Antonio (Antonio Banderas) la noche del estreno de una de sus obras, lo que traerá trágicas consecuencias. La historia se complementa con Tina (Carmen Maura), su hermana transexual que cambió de sexo para mantener relaciones incestuosas con su padre.

La escena más famosa de la película la protagoniza Tina (Carmen Maura) cuando se refresca bajo la manguera de un barrendero de las calles de Madrid al volver a casa con Pablo de madrugada. Otra escena es la que muestra a Antonio manteniendo sexo anal con Pablo.

Fuente: Wikipedia

Matador

Matador es una película española realizada en 1986 bajo la dirección de Pedro Almodóvar y con las actuaciones de Assumpta Serna, Antonio Banderas y Nacho Martínez.

Un matador que se ha visto forzado a retirarse anticipadamente por una cogida, se da cuenta de que su obsesión por matar perdura, pero ahora los toros son sustituidos por mujeres. Hacer el amor y matarla justo en el último instante es lo más parecido al inefable placer de una tarde en la plaza de toros. María es una mujer que experimenta unos deseos similares. Cuando el camino de ambos se cruza, la fusión de sus deseos les llevará a un desenlace trágico.

Matador es una película diferente. Almodóvar juega con el sexo y la muerte mezclando el eros con thanatos y dando qué pensar; pero sobre todo hacen más interesante la película las interpretaciones de los secundarios: la siempre brillante Chus Lampreave, Carmen Maura, Julieta Serrano y un joven y guapísimo Banderas como co-protagonista.

Fuente: www.filmaffinity.com/es

Escondidos en Brujas.

No siempre una noche de cine es lo que se espera, ese fue mi caso ayer. A pesar de las buenas críticas que se podían leer en film affinity y también por eso, claro, la película me decepcionó profundamente, tanto es así que he estrenado mi registro a dicha página poniéndola a parir. La película no consigue enganchar ni divertir salvo de forma esporádica; su director, Martin McDonagh, intenta copiar los absurdos y geniales diálogos de los matones de Tarantino sin ningún éxito. Colin Farrel una vez más hace de buena persona con mal oficio; anteriormente perpetró el papel de Alejandro Magno, al que daba un aire de adolescente gay rebelde que buscaba su lugar en el mundo. En fin una comedia negra totalmente prescindible.

¿Qué he hecho yo para merecer esto?

¿Qué he hecho yo para merecer esto? es una película del director español Pedro Almodóvar rodada en 1984.

Una sufrida ama de casa debe convivir en un barrio de los suburbios de Madrid con un marido machista, un hijo chapero y una suegra neurótica con obsesión por coleccionar bolsas de magdalenas. Su única amiga es una vecina prostituta y su adicción a los medicamentos tranquilizantes.

Tomando como fuente de inspiración el neorrealismo italiano, el manchego introduce dentro de ese gris y asfixiante mundo doméstico sus habituales chascarrillos cómicos, y su querencia por lo insólito, creando un universo donde lo naturalista y cotidiano convive con lo extraño y lo irreal sin que choque.

Con esta surrealista y divertida tragicomedia es cuando Almodóvar empezó de verdad a llamar la atención de la crítica nacional e incluso internacional, tras los films de la movida, aunque ya en ellos apuntaba algunos detalles que advertían que no estabámos ante un cineasta precisamente mediocre y convencional.

La vida, los desesos y las frustracciones de una triste ama de casa quedaban perfectamente reflejadas en esta película, que recordaba al neorrealismo italiano pero todo ellos españolizado, con toques surrealistas y muy divertidos.

Como curiosidad, Almodóvar metía aquí personajes que hoy día nadie, ni siquiera él, se atrevería si quiera a escribir e imaginar, como el dentista pedófilo interpretado por Javier Gurruchaga, a quien la protagonista vende a su hijo pequeño por no poder atenderlo ella misma en condiciones. Un niño, que, para mayor transgresión, se prostituía con los padres de sus amigos del colegio. ¿Os imagináis esto hoy día en una comedia, como detalle jocoso?

Fuente: Filmaffinity

Entre tinieblas

Entre tinieblas es una película de humor negro del director Pedro Almodóvar de 1983.

La trama se sitúa en un convento donde las monjas son lesbianas sadomasoquistas que trafican y toman drogas, escriben novelas eróticas, crían un tigre en el jardín trasero, e idolatran a las más pecadoras de la historia.
Cuando su amante muere de sobredosis, Yolanda, cantante de un club nocturno, se arriesga a escaparse y se retira en el convento que una extraña pareja de monjas le recomiendan visitar.
Allí ella encuentra cobijo y cuidado gentil, mientras llega a conocer un mundo hecho de contradicciones, hábitos inusuales y mentiras, totalmente diferente de la imagen que tenía de las comunidades religiosas. Incluso Julia, la madre superiora, se enamora de ella, como ha hecho con cada chica que ha vivido allí en el pasado.

Esta película pertenece a una época en la filmografía de Almodóvar que bebe directamente de la movida madrileña: las drogas, el sexo, el pecado, lo transgresor y provocativo se mezclan con la manera de hacer cine del director manchego. Al igual que en "Laberinto de pasiones", "Pepi,..." o más recientemente "La mala educación" las características de dichas películas hacen pensar en ciertos sector del público de Almodóvar que el director sólo sabe hablar de putas, maricones, drogadictos, monjas y curas viciosos y todo ello mezclado con algun bolero. Cosa que es totalmente incierta.

"Entre tinieblas" cuenta la historia de Yolanda (Cristina Sánchez Pascual), una cantante que después de haber visto morir a su novio decide buscar refugio en la orden de las "Redentoras Humilladas" que conoce desde que un día fueran a visitarla después de una actuación. Una vez en el convento, conoce a unas monjas un poco inusuales y con unas aficiones algo alejadas de lo que habitualmente podría pensarse. Allí conoce a la Madre Superiora (Julieta Serrano), una mujer adicta a la heroína y la cocaína con un lado lésbico; a Sor Estiércol (Marisa Paredes), una mártir enganchada al LSD; a Sor Perdida (Carmen Maura), una monja preocupada por la limpieza y el cuidado de un tigre que recogió de cachorro; a Sor Víbora (Lina Canalejas), con un amor oculto y a Sor Rata de callejón (Chus Lampreave), una monja un poco lianta, escritora de novelas muy famosas con seudónimo y la que se encarga en el convento de las plantas y las flores.

El resultado es una mezcla de "Viridiana" de Buñuel pasada por la movida con un toque de Berlanga en algunos momentos y, sin duda, el punto del gran director manchego.

Las actrices están todas fantásticas: Julieta Serrano tiene una de las más tristes miradas del cine español, con una escena en la que canta un tema de Lucho Gatica capaz de igualar a los playbacks de otras películas de Almodóvar como "Tacones lejanos" o "Volver" por su belleza y sentimiento. Marisa Paredes y Chus Lampreave están geniales, sobretodo, la segunda que hace un papel divertídisimo.Quizá lo único reprochable a la película es que Lina Cantalejas y Carmen Maura tengan tan poco protagonismo en la historia, quedan muy al margen de sus otras compañeras.Resumiendo, una buena película de Almodóvar que como toda obra suya tiene algo que no te deja indiferente. Por cierto, la escena de Julieta Serrano pinchándose la droga es algo tremendo, propio de las escenas más duras de "Requiem por un sueño".

Lo mejor: Julieta Serrano en toda la película, en especial, en el momento de la canción y el grito final. Las monjas cuando se sueltan el hábito: se drogan, cantan y bailan,...

Lo peor: una Cristina Sánchez Pascual muy seria y un poco alejada del personaje.

Fuente: Wikipedia y FilmAffinity

Laberinto de pasiones

Laberinto de pasiones es una película de 1982 escrita y dirigida por el director de cine español Pedro Almodóvar.

Madrid, años 80. Una ciudad incómoda, salvaje y divertida. En ella transcurre una historia de amor inusual entre una joven "erotómana" y el hijo de un emperador árabe. Ella, miembro de un violento grupo musical, y él, más preocupado por los cosméticos y los hombres que por otra cosa, son el hilo conductor de una serie de relaciones entre los personajes más dispares que se puedan encontrar. Música, violencia oral, persecuciones, pasión, sexo... y por encima de todo, el amor y sus dificultades.

Locura, sexo, excentricidad...esas y mil cosas más se pueden encontrar en esta loca película de Almodóvar que nos transporta directamente a esa parte del Madrid de principios de los ochenta en la que la sobriedad y la moderación brillaban por su ausencia.Un joven Imanol Arias y una sensual e insinuante Cecilia Roth son los protagonistas de una cinta en la que hay que destacar el momento en el que, Pedro Almodóvar primero, e Imanol Arias después, se suben al escenario del garito donde transcurre parte de la acción y nos deleitan con dos actuaciones realmente excéntricas y divertidas.

Fuente: www.filmaffinity.com/es

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón es una película de 1980 escrita y dirigida por el español Pedro Almodóvar.
Fue la primera película comercial de Almodóvar, para la que escribió el guión inicial en 1978, cuando trabajaba para Telefónica como empleado administrativo, reescribiéndolo cuando comenzó el rodaje. La película, inspirada por la agresiva ideología punk representada por Bom (Alaska), trata sobre tres chicas, Pepi, Luci y Bom que viven en Madrid durante la época inicial de la Movida madrileña.

Tras ser violada por un policía, Pepi jura venganza (pues le habían arruinado el que sería el negocio del siglo: "la venta de su virgo"), convenciendo a sus amigos de pegarle una paliza. Sin embargo, ellos equivocadamente atacan al hermano gemelo del policía y por eso Pepi vuelve a intentar vengarse, convenciendo a Luci, la mujer masoquista del policía, de abandonarlo por una cantante sado de punk: Bom. Las tres exploran la escena joven de Madrid, asistiendo a fiestas, clubs, conciertos y conociendo a personajes escandalosos. Luci vuelve con su marido una vez que él la logra «satisfacer» dándole una paliza y hospitalizándola. Ahora solas, Pepi y Bom deciden vivir juntas.

Pedro Almodóvar describió la película como una historia sobre «seres humanos fuertes y vulnerables que se abandonan a la pasión, que sufren el amor y se divierten».[1] Las críticas españolas de la época atacaron a la película por sus chistes en los baños, una escena humorística de violación y una técnica cinematográfica (que no narrativa) débil. El diario español El Periódico describió a Almodóvar como «un obstinado y apasionado defensor de películas de serie B», mientras que El País elogió la película como una que «trastoca con verdadero atrevimiento los más respetados tabúes de nuestra ridícula sociedad».[3] Aunque sigue siendo reconocida como una película técnicamente pobre, Pepi, Luci, Bom (así como la siguiente película de Almodóvar Laberinto de pasiones) está considerada como un documento de La movida, la escena punk-libertaria postfranquista que se desarrolló en Madrid, principalmente.

Los interiores de la película fueron rodados en la casa de Alaska (Olvido Gara), quien a su vez, era menor de edad cuando participó en la película.
Como para rodar necesitaban reunir dinero, la película tardó en rodarse unos dos años. Los fondos fueron aportados por amigos de Pedro Almodóvar, especialmente por Tino Casal
Como "orina" para la escena de la "lluvia dorada" se usó cerveza y una manguerita.
No se contaba con permisos para rodar en la vía pública, con lo que los exteriores se rodaban con el mínimo imprescindible de tomas, no sea que multasen al equipo por carecer de permisos del ayuntamiento.

Fuente: Wikipedia

Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar Caballero (n. Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 25 de septiembre de 1951), director de cine y guionista español. Su trayectoria cinematográfica tras las cámaras ha crecido desde sus comienzos en el mundo del cortometraje a finales de los años setenta hasta el punto de convertirse en una personalidad prestigiosa del panorama cinematográfico internacional. Es el cineasta español con mayor resonancia fuera de su país de origen, premiado y galardonado por los principales y más importantes festivales de cine mundiales. Con dos premios Oscar, uno de ellos al mejor guionista -un hito en la historia del cine español-, Pedro Almodóvar es una referencia en el panorama cultural español y cinematográfico.

Encuesta Bogart

Como era de esperar, la película más votada como favorita de Humphrey Bogart por los visitantes de nuestro blog ha sido Casablanca con 6 votos. A tan solo 2 de diferencia han quedado otras dos obras maestras como El sueño eterno y La reina de África. La mitomanía por la pareja Bogart-Bacall no se queda ahí, ya que los puestos cuarto y quinto de la encuesta han sido para Tener y no tener y Cayo largo.

La siguiente encuesta, ya disponible, nos acerca al mundo de Almodóvar. ¡¡¡Peeeedroooo!!!

Amélie

Hoy, miércoles 23 de julio, a las 22 horas en la Casa del Inca, proyección de la película francesa Amélie (Jean Pierre Jeunet, 2001) dentro del Cineforum de verano 2008.

SINOPSIS: Amelie no es una chica como las demás. Ha visto a su pez de colores deslizarse hacia las alcantarillas municipales, a su madre morir en la plaza de Notre-Dame y a su padre dedicar todo su afecto a un gnomo de jardín. De repente, a sus veintidós años, descubre su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir, sin que se den cuenta, en la existencia de varias personas de su entorno. Entre ellas está su portera, que pasa los días bebiendo vino de Oporto; Georgette, una estanquera hipocondríaca: o "el hombre de cristal", un vecino que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir.

Lo menos importante de la película es el argumento. A tal punto que podría relatarse toda la historia, cada una de las pequeñas historias que componen el relato, y hasta adelantar el final y con ello la película no perdería nada de su encanto. Para hacer una comparación, se podría decir que Amélie es al cine convencional lo que la poesía es a la prosa en literatura. Amélie es una película poética y como en la poesía, la verdadera historia transcurre en el corazón de los personajes más que en sus actos.
Si en algo insiste Amélie, es en el valor de las pequeñas cosas, esos pequeños placeres de lo cotidiano a los que a veces se presta la suficiente atención. Por eso cada nuevo personaje que entra en la escena es precedido por una descripción de las cosas que le gustan y desagradan. Pequeñas cosas, que de alguna manera componen el Universo del personaje. La fantasía, o mejor dicho, la capacidad de fantasear es otro de los valores que se destacan en Amélie.
Un tercer aspecto a destacar de Amélie es su carácter metafórico. Bellas metáforas adornan muchas de las escenas. Una cajita que se transforma en símbolo de la niñez perdida.
Excelente sobre todo la actriz que interpreta a Amélie, Audrey Tautou, que con sus gestos y miradas le da un carácter muy especial al personaje, sobre todo cuando mira directo al foco de la cámara, como buscando la complicidad del espectador e invitándolo a entrar a su mundo. En ocasiones recuerda a Chaplin.
Y por supuesto la fotografía, que nos muestra los rincones más bellos de París, pero sin excederse, teniendo como fondo una excelente banda sonora de Yann Tiersen.
Amélie es, más que una comedia romántica, una fábula sobre el amor y la posibilidad de hacer el bien.

Esta película es clave porque su autor pudo abrir la caja de los sueños, llena de clowns y de ogros, de príncipes y de hadas, de risas y de canciones infantiles, de felicidades olvidadas y finalmente resucitadas. Según Jean-Pierre Jeunet, se trata de un film "concebido para dar felicidad a la gente", un cine champán ,que se llama ahora; EL ESPECTADOR es sumergido en una ligera ebriedad, una euforia que se parece a la felicidad.
Ya con Delicatessen (1991) y "La ciudad de los niños perdidos" (1995) con el que apareció asociado, en el guión y dirección, a Marc Caro, el cineasta francés había manifestado con brillo su gusto por las situaciones y los personajes extravagantes, y sus dos filmes aparecían como equivalentes cinematográficos de los mejores cómics y dibujos animados. Uno y otro también miraban de reojo la ciencia-ficción delirante de un maestro del género, Terry Gillian (Héroes del tiempo, 1981). Es además por eso que Pierre Jeunet fue llamado para participar en la saga hollywoodiense de Alien, de la que dirigió el cuarto episodio, Alien resurección en 1997.
Como sus predecesoras, Amelie desborda con una invención tal que parece que su autor se hubiera propuesto el objeto de desarrollar una idea por plano, y a la velocidad a la que éstas pasan por la pantalla, el espectador es literalmente bombardeado por imágenes cómicas, insólitas y poéticas que subrayan un comentario, un diálogo y un acompañamiento musical que son otras tantas razones para ver la película. Algunos le reprocharon a Jeunet haber puesto su genio creativo al servicio de una visión nostálgica, idílica y consensualista del mundo. " ¿Qué responderles, sino tanto mejor?- dijo él.

Fuentes: FilmAffinity y Wikipedia

El tesoro de Sierra Madre

El tesoro de Sierra Madre es una película estadounidense dirigida en 1948 por John Huston basada en una novela homónima de B. Traven. Walter Huston, padre del director, interviene en el reparto junto a Humphrey Bogart, Robert Blake, Tim Holt y Bruce Bennett.

Fred Dobbs es un estadounidense que malvive en la ciudad mexicana de Tampico. Es engañado por un capataz sin escrúpulos junto a otros incautos. Conoce entonces a Bob Curtin y a Howard, un anciano buscador de oro, con los que sale en expedición a buscar oro. Encuentran oro, pero Dobbs es atacado por la codicia y pierde la cabeza. Tienen que enfrentarse a unos bandidos, y consiguen sobrevivir. De regreso, deben separarse de Howard y Dobbs dispara sobre Curtin, y lo abandona creyéndolo muerto. Pero Dobbs es atacado por los bandidos, que le dan muerte para robarle los burros, y destrozan los sacos de oro, creyéndolo arena. Curtin y Howard se encuentran sin nada.

Huston encontró un filón de oro en la novela de B. Traven. Podemos decir, sin equivocarnos, que Huston fue uno de los directores que mejor supo conservar la esencia de los libros al pasarlos a la pantalla. Un gran adaptador de historias, que perfeccionaba con una espléndida técnica y un buen olfato para saber escoger a sus actores.

Ciertamente, con un excelente guión y un plantel de actores comprometidos con la historia, la película prácticamente camina sola. Y su caminar es una delicia… para nosotros. Porque sus personajes se mueven en un universo de miserias, envidias y celos palpables desde nuestro sofá. La película está llena de sublimes momentos pero particularmente, me quedo por la primera partición del oro. Simplemente sensacional.

Bogart parece nacido para este papel: huraño, desconfiado, medio paleto y de carácter imposible. Qué gusto da verlo… tanto como tirria.

Fuentes: Wikipedia y FilmAffinity

Memento

Leonard Shelby es un rico ejecutivo que vive con un único objetivo: encontrar a los asesinos de su esposa. Para ello ha de sobreponerse continuamente a una extraña forma de amnesia que le impide recordar lo que le ha ocurrido más atrás de los últimos 15 minutos, por lo que se valdrá de tatuajes, anotaciones y fotos para tratar de captar y grabar todo lo que va sucediendo en su larga y ardua búsqueda.

Esta película es una de las auténticas joyas de los últimos años, todo un monumento a la creatividad, la intriga y la genialidad, con un guión excelente y unos actores que lo bordan. La frase del film sería, sin ninguna duda: ''no me acuerdo de olvidarte''.

Casablanca

¿Qué decir de ella? Su entrada en Wikipedia es enorme. Me limito a poner algunos trozos sacados de ahí y alguna imagen de YouTube.

Errores
El filme tiene varios defectos lógicos, de los cuales el más notorio es acerca de las «cartas de tránsito» que permitirían a los portadores abandonar el territorio de la Francia de Vichy. No queda claro si Ugarte dice que las cartas han sido firmadas por el general del ejército francés de la Francia de Vichy Maxime Weygand o por el general Charles de Gaulle, líder de la Francia Libre. Parte de la confusión se origina por la diferencia entre lo que está escrito y lo que se dice. El audio claramente menciona: «de Gaulle» y los subtítulos en inglés del DVD oficial escriben: «de Gaulle». Pero la versión francesa escribe «Weygand». Weygand había sido el delegado general de Vichy para las colonias nord africanas hasta un mes antes de la fecha en que se produce el filme. En cambio, De Gaulle estaba en ese momento a la cabeza del gobierno de la Francia Libre y era el enemigo del regimen de Vichy que controlaba Marruecos. De hecho, una corte marcial condenó a De Gaulle el 2 de agosto de 1940 por traición in absentia y lo sentenció a purgar su pena en prisión. Estando así las relaciones entre los dos bandos enemigos, parece ilógico que una carta firmada por De Gaulle produjera algún beneficio. En un caso de auténtico MacGuffin, las cartas de libre tránsito fueron inventadas por Joan Allison para la obra de teatro original y por eso nunca se cuestionó sobre su viabilidad en la vida real. Es más, incluso en la cinta misma, Rick le sugiere a Renault que las cartas no permitirían la salida de Ilsa, dejando solo a Laszlo: «La gente ha sido retenida en Casablanca a pesar de sus derechos legales».
Asimismo, aunque Laszlo asevera que los nazis no pueden arrestarlo debido a que «esto es todavía una Francia no ocupada; cualquier violación a la neutralidad se proyectaría sobre el capitán Renault», Ebert señala que «no tiene sentido que él pueda andar caminando por allí libremente... Hubiera sido detenido en cuanto fuese visto». Ante esto, otros, como Harmetz, sugieren que en realidad a sabiendas Strasser le permite a Laszlo moverse libremente, con la intención de que suelte los nombres de los líderes de la Resistencia en la Europa ocupada a cambio de que a Ilsa se le permita salir para Lisboa.
Entre los errores se cuentan además una versión equivocada de la bandera del Marruecos francés. Renault afirma que estuvo «con ellos [los estadounidenses] cuando ‘metieron la pata’ en Berlín en 1918», pero tanto la capital tedesca no fue tomada en la Primera Guerra Mundial como tampoco ninguna tropa alemana uniformada puso un pie en Casablanca durante la Segunda Guerra Mundial.
Hubo también errores de continuidad inevitables. Por ejemplo, en la escena final, la casaca militar del mayor Strasser llega a ser vista con y sin charreteras, y cuando muere, cae al suelo agarrando todavía la bocina del teléfono, siendo que en la toma previa se muestra que el cable no era lo suficientemente largo. Otro error de este estilo sucede en la escena en la que Rick deja París a bordo del tren, allí se aprecia con claridad que su abrigo se empapa por la lluvia abundante; pero en cuanto pone un pie sobre el tren súbitamente aparece seco. La actitud de Curtiz ante estos detalles fue simple: decía «lo hago ir tan rápido que nadie se da cuenta».

Rumores

Numerosos rumores e historias se han ido tejiendo en torno a la cinta.
Ronald Reagan estaba en servicio en la Fuerza aérea estadounidense cuando se filmó Casablanca.
Se llegó a afirmar que el entonces actor Ronald Reagan había sido elegido originalmente para interpretar el papel de Rick. Este rumor nació temprano, durante una de las exhibiciones que el estudio otorgó a la prensa cuando el filme estaba aún en desarrollo, pero para ese momento el estudio ya sabía que Reagan estaba comprometido con la Fuerza aérea estadounidense y nunca fue tomado en cuenta.
Otro de los rumores famosos sobre la película es aquel que afirma que los actores no supieron hasta el último día de filmación cómo terminaría la historia. De hecho, la obra original (que por cuestiones técnicas se desenvuelve por completo dentro del Café) terminaba con Rick enviando a Ilsa y a Víctor hacia el aeropuerto. Durante la adaptación del guión se discutió la opción de hacer morir a Laszlo en Casablanca, lo que hubiera permitido que Rick e Ilsa volaran juntos, pero —como Casey Robinson le escribiera a Hal Wallis previo el inicio de la filmación— el final de la historia «está hecho para que haya un giro oportuno en el momento en que Rick la envíe en el avión con Víctor. Entonces así, haciendo eso, no sólo está resolviendo el triángulo amoroso. Está forzando a la chica a estar a la altura del idealismo de su naturaleza, obligándola a cargar con el peso de un trabajo que en estos días es más importante que el amor entre dos personas insignificantes». Hubiera sido ciertamente imposible presentar una Ilsa que dejara a Laszlo por Rick, pues el código estadounidense de producción cinematografica de 1930 prohibía exhibir a una mujer dejando a su marido por otro hombre. La disputa como tal no era, pues, sobre si Ilsa se iría con Laszlo, sino sobre cómo esta solución podía ser resuelta en el guión. Así que es posible que el rumor se propagase a partir de un afirmación de Ingrid Bergman en la que dijo que ella no sabía de qué hombre tenía que enamorarse. Sin embargo, y puesto que el guión se reescribe a lo largo de todo el rodaje, la revisión de Aljean Harmetz concluye que muchas de las escenas claves habían sido ya filmadas cuando Bergman hizo el comentario, y que ya sabía cómo terminaría el filme: por lo tanto, la confusión fue, en todo caso, «emocional» y no «factual».

De película

El libro del 6 Concurso de Relato Corto y Fotografía "El coloquio de los perros", que este año ha tenido como tema "De película", y que ha contado con la colaboración de la Asociación Forajidos, ya está disponible en pdf. Solo hay que pinchar en la imagen de abajo.

En un lugar solitario

Película dirigida en 1950 por Nicholas Ray y protagonizada por Humphrey Bogart y Gloria Grahame.

"Nací cuando ella me besó, morí el día que me abandonó, viví el tiempo que me amó".

Un guionista con fama de conflictivo se enfrenta a la difícil tarea de adaptar un best-seller de nula calidad literaria. Steele le pide a la chica del guardarropa, Mildred Atkinson, que le cuente la historia de la novela con sus propias palabras. Pero a la mañana siguiente la policía se presenta en la casa del escritor comunicándole que Mildred has sido asesinada... y Steele se convierte en el principal sospechoso.

Ray es un ejemplo de cineasta constreñido que no pudo desarrollar toda su creatividad. Su obra es maravillosa pese a todo, con películas como Rebelde sin causa, Johnny Guitar o 55 días en Pekín, pero también con películas no tan famosas aunque extraordinarias. No sé en qué lugar encajar ésta.

Tuvo que adaptar a Hollywood sus aspiraciones de realizar un cine complejo y personal que ahondara en el ser humano, en su soledad, en su cólera y amargura, en la dificultad de integración y en los desequilibrios y contradicciones emocionales que de ello se derivan, también en la dificultad de las relaciones de pareja, etc.

Rebelde sin causa quizás sea la más emblemática pero “En un lugar...” creo que va tomando posiciones como lo que es, una obra definitiva y representativa de las obsesiones de un cineasta que trató de dejar su impronta en las películas que hizo, un cineasta que trató de dar su visión acerca del hombre y su aislamiento.

El protagonista es un cínico y agresivo guionista venido a menos, un tipo de extremo escepticismo incapaz de adaptarse a lo que le rodea. Asqueado por la mediocridad e hipocresía, pero también encerrado en su propio egocentrismo y brutalidad (no es un personaje amable ni mucho menos), sólo encontrará temporalmente la paz en el amor hasta que finalmente esa relación se vaya viciando por su propia violencia. A este personaje límite (perfecto para Bogart) sólo un amor desmedido e irracional podrá sacarle momentáneamente de su enfermiza forma de ver la vida. Es un romance muy del estilo de las vanguardias de los años ´60, no en vano Ray y Grahame mantuvieron una relación sentimental y no es difícil imaginar que la película sea en parte autobiográfica; por ello lo menos importante es la trama de cine negro en sí misma, los personajes y el atolladero emocional en que se encuentran convierten esta película en algo más que una trama policíaca. Y si encima Ray nos plasma su propia relación y su propio carácter (era un hombre muy arisco también), entonces estamos ante una sincera reflexión sobre sí mismo que provoca desconcierto y admiración a la vez.

Extraordinario el punto de vista de la película, siempre retratando a Bogart a través de las reacciones y la mirada del resto de personajes, lo que refuerza su carácter de peligroso inadaptado y, a ratos, su indudable atractivo personal cuando se apacigua momentáneamente (pese a todo es un tipo ingenioso y divertido).

Por otra parte, la culpa de que no considere a Gloria Grahame la mujer más bella de la historia del cine es de esta película. Jamás la he vuelto a ver tan atractiva como aquí. Tiene algo especial que no se repite en otras ocasiones. Aquí encarna el erotismo elegante y el misterio de forma tal que no es raro que Bogart pierda la cabeza. Por un lado es el agente que opera el cambio en Bogart, pero por otro nos sirve a nosotros, espectadores, como algo a lo que agarrarnos, compartiendo con ella la fascinación y el miedo que provoca el protagonista.

Fuente: www.filmaffinity.com/es

La reina de África

La reina de África es una película dirigida por John Huston en el año 1951. Está basada en la novela del mismo título de C. S. Forester. Ganó un Oscar al mejor actor principal (Humphrey Bogart), y obtuvo otras tres nominaciones, al mejor director, a la mejor actriz principal (Katharine Hepburn), y al mejor guión.

La Primera Guerra Mundial ha comenzado y en África Oriental Charlie Allnut (Humphrey Bogart) se dedica a transportar mercancías río arriba y río abajo con su vieja embarcación, llamada La reina de África. En una de las aldeas que visita regularmente ha muerto el sacerdote, y Charlie acepta llevar en su barca a la hermana del fallecido reverendo, Rose (Katherine Hepburn), para devolverla a la civilización. Durante el viaje por el río surge entre Charlie y Rose una creciente simpatía. Sin embargo, cuando finalmente llegan a un gran lago se les acerca un barco de guerra alemán.

Fuente: Wikipedia

Lección magistral de Humphrey Bogart y Katharine Hepburn en esta genial comedia de aventuras y amor que una pintoresca pareja comparte en África. Lugar que hizo que el rodaje tuviese no menos aventura y peligros que la propia de los dos protagonistas mientras que se narraban los avatares de un viaje en barca a lo largo del río y cuyos efectos añadidos de maquetas, dobles fondos y animales salvajes hoy resultan obvios pero quedan absolutamente perdonados ante la brillantez de los diálogos y el gran final en el que desemboca el excelente guión basado en la novela de C.S. Forester.Bogart, que protestaba sin cesar del lugar de rodaje en el río Lualaba de Uganda en contraste con una emocionada Hepburn encantada de la selva, terminó por obtener un merecido Oscar al mejor actor –el único de su brillante carrera–; y John Huston logró la que probablemente es su más redonda obra maestra, con permiso de “La jungla de asfalto”, “Cayo Largo”, “El halcón maltés” o “El tesoro de Sierra Madre”.Entrañables personajes a los que una anciana Katharine evocaba con nostalgia y dulce emoción en una entrevista muchos años después: “Me pregunto en qué parte de África andarán ahora Charlie y Rose o si serán felices.” Seguro que sí.

Fuente: FilmAffinity

El sueño eterno

The Big Sleep, conocida en castellano como El sueño eterno, es una película de 1946 de cine negro dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Humphrey Bogart como el duro detective privado Philip Marlowe y su en aquel entonces mujer en la vida real Lauren Bacall. Está basada en la novela del mismo título escrita por Raymond Chandler y publicada en el año 1939. La adaptación del guión la llevó a cabo William Faulkner con Leigh Brackett y Jules Furthman.
La película es conocida por tener una de las tramas más enrevesadas de la historia del cine. La historia se hace más difícil de seguir al dejar muchas partes de la historia sin desarrollar.

Humphrey Bogart encarna a Philip Marlowe, el famoso detective creado por Raymond Chandler. La pareja Bogart-Bacall vuelve a aparecer después de haber protagonizado Tener y no tener (To have and have not, 1944) del propio Howard Hawks, y ella fue un descubrimiento de Hawks.
Resulta interesante la breve aparición de una joven Dorothy Malone (Angeles sin brillo -The tarnished angels, 1957- de Douglas Sirk) durante una escena en una librería. Como dato curioso de uno de lo asesinatos que se ven en el film nunca queda claro si llega a existir un asesino, pero lo cierto es que no tiene ninguna importancia.

La película es recordada por su extremadamente enrevesado argumento. Una famosa historia cuenta que, durante el rodaje, el director y los guionistas no eran capaces de saber quién mató al chofer Owen Taylor. Enviaron un telegrama al autor, el cual respondió “¡Carajo, yo tampoco lo sé!".[1]
Después de que la película fuera terminada se dejó de lado para que Warner Bros. lanzara una reserva de películas relacionadas con la guerra. Esta decisión fue porque se pensó que al estar la guerra llegando a su final, el interés del público por estas películas iría decreciendo rápidamente, algo que no iba a ocurrir con El sueño eterno. (Una mirada cuidadosa puede notar que la película se rodó durante la guerra por elementos tales como cupones de racionamiento, ciertos diálogos y cuadros del presidente Franklin Delano Roosevelt)
Una vez que la guerra terminó, el fenómeno “Bogart y Bacall” causado por la película Tener y no tener así como por su reciente matrimonio estaba en su punto álgido. El agente de Bacall solicitó que se rehicieran partes de la película para capitalizar esta recién lograda celebridad. El jefe del estudio, Jack Warner, accedió y se rodó nuevo material como el sugestivo diálogo de la “carrera de caballos” (a pesar de que contextualmente no tenía ningún sentido) También se rehicieron algunas partes del final, con Peggy Knudsen en el papel de Mona Mars, ya que la actriz original, Pat Clark, no estaba disponible. Aunque hay solamente una diferencia de duración de dos minutos entre las dos cintas, hay 20 minutos de escenas diferentes entre una y otra. En su forma revisada, El sueño eterno se estrenó el 23 de agosto de 1946.

Fuente: Wikipedia

Cineforum de verano 2008 - Marnie la ladrona

Este viernes 18 de julio a las 9 de la noche en la Casa del Inca tendrá lugar la entrega de premios del VI Concurso de Relato Corto y Fotografía "El coloquio de los perros", cuyo tema de este año ha sido "De película". A continuación se procederá a la proyección del film "Marnie la ladrona", dirigida por el mago del suspense, Alfred Hitchcock, y en el cual se basa el relato ganador de esta edición del certamen.

La proyección de esta película dará comienzo al tradicional cineforum de verano que realiza la Asociación Forajidos en la Casa del Inca y que continuará todos los miércoles de julio y agosto a las 22 horas con la programación que aparece adjunta en el cartel. Estas actividades están organizadas conjuntamente por la Asociación Cultural El coloquio de los perros y la Asociación Cultural Forajidos, la asistencia a las mismas es libre y gratuita y cuentan con la colaboración y patrocinio del Excmo. Ayuntamiento de Montilla.

Marnie, conocida en España como Marnie, la ladrona es una película de 1964 dirigida por Alfred Hitchcock y que cuenta con Sean Connery y Tippi Hedren como sus protagonistas. Basada en la novela homónima de Winston Graham, se trata de un thriller psicológico con un tratamiento decididamente sórdido de la sexualidad, en especial de la sexualidad femenina, como caracteriza gran parte de la obra de Hitchcock.
En parte debido a esa misma ambigüedad y a los crudos temas tratados (que la hicieron ser catalogada en un primer momento como película X en Gran Bretaña), pero también a unos muy criticados efectos especiales y un estilo que se consideraba alejado del habitual en Hitchcock (a pesar de entrar claramente en la línea de los noir con un fondo de psicoanálisis como Rebecca o Spellbound), fueron la causa de que la película fuera un fracaso de público, al menos en los Estados Unidos, aunque resultó rentable en Europa.

Marnie (Tippi Hedren) es una ladrona patológica que sobrevive robando en las empresas para las que trabaja y cambiando de personalidad en cada nuevo empleo hasta que se encuentra con Mark Rutland (Sean Connery), quien interesado por su caso, la chantajea para que se case con él, amenazándola con descubrirla si no lo hace. Una vez en el viaje de novios, Mark tratará de indagar la causa de las diversas psicopatías de Marnie, su desconfianza hacia los hombres, su aversión por todo contacto físico, su pánico al color rojo.

El papel de Marnie fue ofrecido a varias otras actrices antes de recaer sobre Tippi Hedren, entre ellas Eva Marie Saint, Lee Remick y Grace Kelly, por aquel entonces ya Princesa Grace de Mónaco. En el caso de esta última, que ya había aceptado, fueron los súbditos monegascos quienes se opusieron a ver a su princesa en el papel de una cleptómana.
Esta película constituyó la última colaboración entre Hitchcock y Bernard Herrman, su compositor por excelencia, autor de la banda sonora en ocho de sus filmes.
La relación entre el director y la actriz principal empeoró manifiestamente durante el rodaje, tanto que se suele decir que los últimos días del mismo Hitchcock acabó por darle instrucciones a través de intermediarios, a pesar de que Hedren ha negado en su biografía que tal cosa llegara a suceder.

Tener y no tener

Harry Morgan (Humphrey Bogart) se gana la vida en la isla de la Martinica alquilando su barco de recreo pero la situación derivada de la guerra en Europa hace que el negocio no prospere y tendrá que aceptar una misión de la resistencia francesa.
Howard Hawks realiza una brillante adaptación de la novela de Ernest Hemingway muy oportunamente trasladada a la presente situación bélica que vivía el mundo.
Se trata de la primera aparición en la gran pantalla de Lauren Bacall que demuestra todas sus cualidades como actriz y revela la gran química que esta y Bogart poseen, no hay más que decir que un año más tarde se unieron en un matrimonio que sólo la muerte del actor pudo romper.

Obra maestra del cine en la que intervino todo el talento de la Warner de la época: Howard Hawks en la dirección, Franz Waxman compuso la banda sonora, Sid Hickox en la fotografía y el dúo Faulkner-Furthman adaptando a Hemingway. Pero no sólo estos genios se consagraron: una jovencísima, sensual e inquietante Lauren Bacall le dijo a Bogart: "Si me necesitas, silba".... y le enamoró. Resumiendo: un clásico imprescindible para ver en sesión continua con "El sueño eterno".

Se rumorea que Howard Hawks tenía por costumbre poner a jovencitas atractivas en sus películas y seducirlas luego, pero cuando rodó Tener y no tener le salió el tiro por la culata y la novata Lauren Bacall prefirió liarse con Humphrey Bogart (y parecía tonta). Pero Hawks era un hombre de recursos y, en lugar de cortarse las venas, procedió a: a) liarse con Dolores Moran, que es la otra guapa de la peli, y b) cambiar el argumento de la historia para darle mucho más protagonismo a la Bacall y redirigir la atención que la prensa rosa daba al romance Bogart-Bacall hacia la película en sí. De la novela de Ernest Hemingway en la que se supone que se basa la peli ya quedaba poco, y encima tuvieron que cambiar de isla y ambientarla en Martinica, más que nada porque promover la revolución cubana quedaba poco hollywoodiense. Y a pesar de los pesares, la peli es una maravilla. El truco supongo que consiste en contratar a guionistas solventes como el mismo Ernest Hemingway y William Faulkner (un premio Nobel cada uno) para que se curren los diálogos. Porque la peli tiene aventura, suspense, amor, idealismo, glamour, amistad, revolución y todo eso, pero lo que más mola son esos diálogos precisos (y preciosos) que encajan como suaves engranajes, y que -en una época en que a penas se podía insinuar que los personajes se besaban con lengua- están cargados de un erotismo fino fino y una sensualidad pillina pillina.

Fuentes: Wikipedia y FilmAffinity

Donnie Darko

Donnie es el perfecto chaval americano, dotado de gran inteligencia e imaginación. Tras escaparse por los pelos de una muerte casi segura al caerle encima de su casa un motor perdido de un avión, comienza a experimentar alucinaciones que le llevarán a actuar como no lo había hecho jamás y a descubrir un mundo insólito a su alrededor.
Sobresaliente película que ha logrado merecidamente ser un film de culto.Extraña, surrealista, intrigante, absorbente, inteligente...Acertadísimo reparto, sobre todo el papel memorable de Jake Gyllenhaal.

El halcón maltés

El halcón maltés es una película dirigida por John Huston en el año 1941. Está basada en la novela del mismo nombre de Dashiell Hammett. Es la tercera versión de la novela de Hammett, ya que se llevó al cine en el año 1931 y en 1936. Es la primera película de John Huston como director, como recompensa de la Warner Brothers tras diez años como guionista. Se suele considerar como la película que marca el comienzo del cine negro.

El detective privado Sam Spade (Humphrey Bogart) estaba cómodamente sentado en su oficina, mirando la ciudad de San Francisco por la ventana, cuando irrumpió una misteriosa dama. La elegante mujer quería investigar el paradero de su hermana, quien supuestamente ha huido de casa con un vividor de origen inglés. El compañero de Sam (Jerome Cowan) localiza al hombre, pero es asesinado en el acto. Sam confronta a la clienta, la Señora O’Shaugnessy (Mary Astor) y resulta que el asunto de la hermana era mentira: el hombre que busca puede tener en su poder la valiosa estatua de oro de un halcón, incrustada con las más preciosas joyas de un valor incalculable que se supone que era el tributo que los Caballeros de Malta pagaron por la isla a Carlos I. Ella no es la única en pos del Halcón Maltés, ya que un grupo de maleantes internacionales está también tratando de conseguir la estatua, dispuestos a engañar, robar o matar por tener el tesoro entre sus manos. Un enorme hombre llamado Fat Man (Sydney Greenstreet), el engañoso Joel Cairo (Peter Lorre), Wilmur (Elisha Cook Jr.) y la seductora Señora O’Shaughnessy quieren aprovechar el genio y el ingenio de Sam Spade para sus propios intereses, pero al detective le preocupa más salir ileso de las peligrosas situaciones y sacar el mayor provecho para sí mismo.

En un principio se ofreció el papel de Sam Spade a George Raft, pero este no quería trabajar con un director novato, así que se lo ofrecieron a Humphrey Bogart como segunda opción. Walter Huston, padre de John Huston, interviene en un pequeño papel, como el marinero que lleva el halcón al despacho de Sam Spade.

Fuente: Wikipedia

Humphrey Bogart

Humphrey DeForest Bogart (n. 23 de enero de 1899 - m. 14 de enero de 1957) fue un actor de cine y de teatro estadounidense.

Bogart fue el mayor de los tres hijos del matrimonio formado por Belmont De Forest, médico cirujano, y Maude Humphrey, artista gráfica. Estudió en la Escuela Trinity, y más tarde en la Academia Philips de Massachusetts, donde conoció a su amigo William Brady, hijo del productor de teatro William A. Brady, quien le estimuló a cultivar sus cualidades para la interpretación teatral. En un principio Bogart tenía pensado estudiar medicina en la Universidad de Yale, sin embargo, estos planes se vieron truncados al ser expulsado por su comportamiento rebelde.
A continuación se alistó en la Marina para combatir en la Primera Guerra Mundial, y fue destinado como marinero al buque S.S. Leviathan. En 1918 el barco fue atacado por submarinos y un torpedo lo alcanzó sin lograr hundirlo. Un fragmento astillado de madera saltó y le rasgó la boca, afectando para siempre su forma de hablar.
De regreso a su vida civil fue contratado como administrador en la compañía cinematográfica y de teatro World Film Corporation, de William A. Brady, el padre de su amigo.
Su manera de hablar y su aspecto físico, que no se correspondía con el del clásico galán de la época, dificultaron sus inicios en su carrera como actor. Desde 1922, cuando hizo su primera aparición en el escenario en la obra The Ruined Lady de la compañía World Film Corporation, hasta 1935, sólo hizo pequeñas intervenciones en escenarios y en algunas películas.
Entre los papeles secundarios que Bogart realizó hay que destacar su aparición en Tres vidas de mujer (1932), película que tuvo una gran repercusión en su carrera ya que contribuyó a sacarle del anonimato. El actor Leslie Howard, cabeza de reparto en El bosque petrificado, exigió a la Warner Brothers la participación de Bogart en el papel de Duke Mantee. Así, en 1936, el enorme éxito que tuvo El bosque petrificado supuso el comienzo de una carrera sólida para el actor. Su consagración llegó en 1941 con El último refugio, dirigida por Raoul Walsh. Su trabajo fue reconocido por la Academia de Cine americana cuando en 1951 Bogart obtuvo el Oscar al mejor actor por su interpretación en La Reina de África, coprotagonizada por Katharine Hepburn.
Bogart estuvo casado cuatro veces. Su primera esposa fue la veterana actriz Helen Menken, con quien se casó en 1926, y de la que se divorció tan sólo un año y medio después. En 1928 se casó de nuevo con otra actriz, Mary Phillips, divorciándose en 1938. Apenas cinco días más tarde volvió a casarse, esta vez con Mayo Methot, también actriz, con la que estuvo casado durante siete años. Sin embargo, todavía contraería matrimonio una cuarta vez, el 21 de mayo de 1945, con su compañera de reparto en Tener y no tener, Lauren Bacall. Con ella protagonizaría varias destacadas películas de su filmografía, como El sueño eterno, La senda tenebrosa o Cayo Largo y con la que tuvo dos hijos: Stephen en 1949 y Leslie en 1952. Hasta la muerte de Bogart la pareja permaneció muy unida, y constituyó uno de los matrimonios más carismáticos del mundo del cine.
Bogart murió en 1957 en Hollywood (California), víctima de un cáncer de esófago.

Fuente: Wikipedia

Encuesta Woody Allen

Dos han sido las películas de Woody Allen más votadas como favoritas con cinco votos: Annie Hall y Match point. Con cuatro votos, a solo uno de distancia, El dormilón y Bananas.

Ahora a seguir votando en la nueva encuesta.

Requiem por un sueño

Harry Goldfarb (Jared Leto), su novia Marion (Jennifer Connelly) y su mejor amigo Tyrone (Marlon Wayans) son adictos a la heroína y traficantes de droga. La madre de Harry, Sara, (Ellen Bursty) es una teleadicta que comienza una dieta de adelgazamiento a base de anfetaminas que termina enganchándola.

Segundo film de Darren Aronofsky (''pi'',''la fuente de la vida''),una de las mejores películas sobre drogas,(junto a ''Trainspotting'' '').Ellen Burstyn fue nominada al oscar a la mejor actriz y no me extraña.Totalmente recomendable ,así como su famosa y buenísima banda sonora de Clint Mansell.

La parábola de Berto y el cable.

¿No os parece que Berto, el colaborador de Buenafuente, le da un aire a Woody Allen por su aspecto frágil y desvalido, además de esas gafas, que no sé si realmente necesita y le dan un aspecto de intelectual tímido que afronta su realidad sin inmutarse? En el programa del martes hizo un numerito que a mí me recuerda al estilo de Woody Allen. Seis minutitos que vale la pena ver.

El dormilón

El dormilón (1973) es la comedia "temprana" de Woody Allen. Construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, el cineasta neoyorquino evoca ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia física (o slapstick) con una banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz de la época The New Orleans Funeral Ragtime Orchestra.

Miles Monroe (Allen) es dueño de un establecimiento de "comida sana". Tras acudir a una operación de extirpación de amígdalas es congelado erróneamente siendo despertado 200 años después, en el futuro, por un grupo de rebeldes que precisa una persona sin identidad para llevar a cabo sus planes de derrocamiento del dictador que gobierna el mundo.
Inicialmente Monroe se resiste e intenta escapar, haciéndose pasar por un mayordomo mecánico. El encuentro con una mujer, Luna (Diane Keaton) y una serie de desventuras y persecuciones acaban provocando que sea capturado y asimilado dentro del sistema que los rebeldes pretendían destruir.
Tras ser secuestado de nuevo por estos y sometido a un proceso de reeducación, Monroe acepta participar en la conspiración: su primera misión será informarse sobre el ultrasecreto proyecto AIRES, que felizmente se le acaba ofreciendo como una oportunidad para lograr sus objetivos.

El humor de Woody Allen se muestra en todo su esplendor, dejando atrás la estructura de "sketch" de su anterior film, Todo lo que quiso saber sobre el sexo (1972). Las sátiras son desternillantes, como el hecho de que el gobernador totalitario sufra un atentado y sólo logre sobrevivir su nariz: la nariz sigue gobernando, mientras los científicos tratan de extraer células de su tejido y clonar al mandatario.
En otra escena, Miles descubre que las mujeres son frígidas y que para tener relaciones sexuales se necesita que la pareja entre a un aparato llamado "orgasmatrón". Sólo así se puede sentir placer: a través de las máquinas, de lo artificial.
Inicialmente la película estaba planeada para tener una duración de 4 horas, en dos mitades. La primera sería la vida de Miles Monroe en el presente (1973) y la otra mitad en el futuro (año 2173), las dos partes se presentarían en una misma función con un intermedio.
El dormilón es una comedia clásica de Woody Allen, en la que igual homenajea al Volkswagen Sedan, parodia Un tranvía llamado deseo (la más conocida obra de teatro de Tennessee Williams) y las películas de ciencia ficción y de paso hace un comentario político, todo con los recursos cómicos de sus grandes ídolos: Buster Keaton y Charles Chaplin. También existe una referencia implícita a la historia La Nariz de Nikolai Gogol. Alguien, alguna vez, definió El dormilón como "la versión woodyalleniana del 1984 de George Orwell".
Fuente: Wikipedia