Cineforum de otoño 2008

Queridos/as forajidos/as. Los viernes de octubre nos vemos en la Casa del Inca a partir de las 9 para echar una sesión cinéfila. Si puede ser, luego nos tomamos una copita en la bodega o en la taberna de guardia.

Asamblea

El pasado sábado tuvimos Asamblea General Extraordinaria en las Escuelas del Pescao.
En ella se produjeron movimientos en las más altas esferas forajidas al amparo de los dictados estatutarios.
Consecuencia de los mismos, la figura del Big Forajido pasa de manos del Hijo de Cronos a las del Rey Mago más chistoso de las Casas Nuevas. ¡Larga vida al nuevo Big Forajido!

En la instantánea (realizada con teléfono móvil) se observa el traspaso de poderes burocráticos ante el nerviosismo y excitación del Big Forajido saliente.

Tropic thunder

Ayer fuí a ver esta nueva comedia dirigida por Ben Stiller, que no es que me apasione precisamente, pero quería ver a uno de mis actores favoritos (Robert Downey Jr.).P ues bien, la peli empieza con unos trailers falsos de los cuales el único que hace gracia es el de Toby Mcguire y Downey haciendo de monjes gays, los demás no coment. Después de esto empieza la película con unos cuantos golpes de humor negro que no están mal, pero a medida que avanza se vuelve más y más lamentable... Mucho humor del facilón, del zafio, todo ello bastante forzado. Por cierto, alguien debería decirle a Jack Black que no tiene la más mínima gracia, me pareció de lo peor.
En fin, que bastante floja la película.

Muere Paul Newman

El pasado viernes, a los 83 años, moría en su casa de Connecticut uno de los últimos clásicos de Hollywood, Paul Newman, víctima de un cáncer de pulmón.
En Forajidos siempre ha sido una de nuestras debilidades y sus películas se han contado entre nuestras favoritas. Desde este blog lo recordaremos como se merece este enorme actor.
Mientras tanto, sirvan estas líneas como homenaje y, para quien quiera leer más sobre el chico de los ojos azules, unos enlaces que nos acercan a su figura vista por columnistas de diversos medios de nuestro país.

• El País. Bárbara Celis.
• El País. Eduardo Noriega.
• El País. Carlos Boyero.
• El País. Maruja Torres.
• El País. Ángel S. Harguindey.
• El País. Borja Hermoso.
• El Mundo. Elena Mengual.
• El Mundo. Luis Cano.
  

The Wire.

Esta mañana he tenido la suerte de encontrarme en el Media markt de Jerez una joya recien salida en España en DVD. Se trata de la primera temporada de la serie que da nombre a esta entrada. En absoluto exagero cuando digo que nos podemos encontrar ante la mejor serie de la historia, no ya porque yo acabe de verme los tres primeros episodios en V.O.S sin pestañear. Muchos críticos la aclaman, entre ellos el inmisericorde Carlos Boyero de el diario "El País". También cuenta con importantísimos fanáticos como Barack Obama que declara que es su serie favorita.
La serie ambientada en la actualidad en Baltimore, consta de 5 temporadas cada una de las cuales se centra en uno de los aspectos de la ciudad. La primera temporada abarca el problema de las drogas visto desde la perspectiva policial y criminal, seguidamente pasa a tratar la corrupción política, la prensa etc...
En USA la serie se estrenó en Junio de 2002 y finalizó su emisión en Marzo de 2008. En España la serie es emitida por la TNT y va ya por su cuarta temporada, la podeis ver los domingos a las 10 de la noche, pero no es hasta hace pocos días que la podemos disfrutar en V.O.S, esperemos que sigan saliendo en DVD el resto de temporadas. A reglón seguido copio y pego una crítica en la que Carlos Boyero se rinde a sus pies.

Junto a gente a la que admiro y quiero, como Toni García, Enric González, Maruja Torres y Marcos Ordóñez, hacemos infatigable apostolado de una serie magistral titulada The wire. Sin éxito, por supuesto. Entre otras razones, porque en este país es imposible encontrarla en DVD en las tiendas. Ese mercado tan caro que te ofrece películas subtituladas en los idiomas más exóticos pero en los que no aparece el español, que te machaca con fatigosos tráileres sin que te los puedas saltar, que intenta concienciarnos con insalvable y grimosa publicidad a los que no sabemos o no queremos piratear de que el robo de la propiedad intelectual es un robo, no ha tenido la ocurrencia de poner al alcance de la gente una obra de arte parida por la tele, por un medio que se alimenta mayoritariamente de bazofia.

TNT, una cadena de pago y lógicamente minoritaria, se ha propuesto remediar ese imperdonable desprecio. Hoy estrenan la tercera temporada del retrato más potente, complejo y veraz del narcotráfico, su permanente sociedad con los pilares de la economía, con la corrupción política, judicial y policial. También la admirable y siempre perdida batalla que le declara gente que no puede dejar de ser profesional ni legal, pepitos grillos en un sistema en el que todo está atado y bien atado. La había disfrutado hasta ahora en DVD adquiridos en Estados Unidos, subtitulado en castellano de Nuevo Continente. Y te apañas, aunque a veces esas expresiones te resulten surrealistas. Me asomo con enorme ilusión al estreno en televisión de la tercera temporada, pero deserto a los diez minutos. No soporto el doblaje. Con el mal cine me da igual, pero con el bueno me parece un pecado. Suena a falso, es otra película. Traducir el argot de los negros de Baltimore ambientándolo al cheli de aquí me suena grotesco. Es problema mío. Yo espero que los espectadores virginales se enganchen con The wire, incluso doblada. Es un lujo. El gran cine sobrevive gracias a HBO.

Encuesta cine clásico de terror

Se cerró la encuesta sobre el cine clásico de terror con los siguientes resultados:

• Drácula y Frankenstein: 12 votos.
• La parada de los monstruos y King Kong: 7 votos.
• Nosferatu: 6 votos.
• La momia y Los crímenes del museo de cera: 5 votos.
• M, el vampiro de Düsseldorf: 3 votos.
• El hombre lobo, El hombre invisible, El golem, El gabinete del doctor Caligari y El jorobado de Nôtre-Dame: 2 votos.
• El fantasma de la ópera: 1 voto.
• Dr. Jekyll y Mr. Hyde: 0 votos.

Los números dejan bien claro el empate entre Drácula y Frankenstein como los clásicos del cine de terror de nuestros lectores. La Universal y Carl Laemmle Jr., Bela Lugosi y Boris Karloff, Tod Browning y James Whale son los vencedores.
La siguiente encuesta, hitchcockiana.

Forajidos televisivos

Imagen sacada del blog del Ciudadano Mane y tomada el pasado viernes en la Casa del Inca, donde varios forajidos estuvimos recomendando algunas películas para el magazine cultural de Montilla TV. Un saludo a su presentador, Toni Luque, y nuestro agradecimiento por confiar en nosotros.

King kong

Un equipo de cine van a rodar una película a la misteriosa isla de Teschio, al este de Sumatra. Allí los recién llegados descubren la existencia de una civilización prehistórica y de una tribu ancestral que secuestra a la atractiva Ann, la actriz protagonista, para ofrecerla en sacrificio ritual a King, un gigantesco gorila. El animal se enamora de la chica, defendiéndola del ataque de criaturas antediluvianas antes de ser reducido por la expedición. Inmediatamente se decidirá transportar al asombroso simio a Nueva York, para ser exhibido públicamente. El contacto de King Kong con un mundo que no es el suyo y el amor que siente por Ann precipitarán trágicamente los acontecimientos.
Dirigida y producida por Merian C. Cooper y Ernst B. Schoedsak, cineastas aventureros especializados en documentales. Se rodó en los Estudios Culver (California) y en New Jersey, NYC, San Pedro (LA) y en el Shrine Auditorium (LA). Costó 650.000 dólares. Se estrenó el 7-IV-1933, con gran éxito de público.
Es una película de monstruos, destinada a provocar suspense y terror, con dosis elevadas de violencia y de erotismo, gracias a una aplicación del Código Hayes más laxa que en épocas posteriores. Con todo, se eliminaron escenas de NYC, incorporadas al film posteriormente, y la escena del ataque de arañas gigantes a los expedicionarios en isla Calavera. Es, además, una versión singular del antiquísimo mito de la bella y la bestia, sin final feliz. No sólo se enamora Kong de Ann, sino que además pone en peligro su vida para librarla de peligros y amenazas. Kong encarna la triple figura de monstruo, bestia enamorada y esforzado caballero andante que vela por la dama. La película denuncia la inmoralidad y el grave error de Denham de apresar a Kong para utilizarlo como animal de feria, sin prever las consecuencias. Se añaden elementos de crítica social, como el afán desmedido de lucro de Denham y la juxtaposición en NYC de miseria (colas de personas sin techo) y opulencia (colas de personas que han pagado 10 dólares para ver a Kong). Es una película de cine en el cine, de gran interés. Plantea y aborda el viejo conflicto entre la ciudad y la naturaleza.
La música, de Max Steniner, se apoya en una masa orquestal muy numerosa, que da densidad y solemnidad a la composición. Diferencia los momentos románticos, de intriga y de terror. La fotografía contiene elementos propios de un film de serie B, con escenas tomadas de films anteriores, niebla que reduce el escenario, etc. La parte que incluye efectos especiales constituye un alarde de imaginación, trucos visuales (Kong era un muñero articulado de 45 cm.) y recursos técnicos novedosos (stop-motion, rear projection). La estética de los decorados está tomada del cuadro "La isla del diablo", del pintor Arnold Bocklin. El guión cuenta una historia interesante y hace uso de una narración austera, intensa y de aire documental. La interpretación de Fay Wray, pelirroja de ojos miel, realiza un trabajo excelente. Los directores hacen de Denham su propio "alter ego" y realizan un vistoso cameo como piloto y artillero de uno de los aviones de la secuencia final.
Película gratamente compleja, que marcó un hito en el uso de los efectos especiales, creados por Willis O'Brien. Obra clásica e imprescindible.
Fuente: FilmAffinity

La parada de los monstruos

La parada de los monstruos (Freaks) es una película producida en 1932 por la Metro Goldwyn Mayer y dirigida por Tod Browning.
En un circo lleno de tullidos, personas con múltiples amputaciones y otros seres deformes, Hans, uno de los enanos, hereda una fortuna. A partir de ese momento Cleopatra, una bella contorsionista, intentará seducirle por todos los medios con tal de hacerse con su dinero, para lo cual traza un plan junto al forzudo del circo, Hércules...
Esta película es un cuento cruel que deriva, hasta sumergirse, en el terror. Lo maravilloso de Tod Browning es que siguiendo al pie de la letra el clasicismo del terror, lo trastoca completamente para darnos una película de una modernidad asombrosa.
El terror nace de lo raro, de ese hecho excepcional que se vuelve intruso en la rutinaria normalidad. Esta regla básica presente en todas las películas de terror es aquí seguida al pie de la letra; sólo que en “La parada de los monstruos”, lo excepcional no son los “freaks”, sino la “normalidad” de la belleza y la fuerza de Cleopatra y Hércules, pues ellos son los anormales dentro de esta trouppe de “freaks”.
Así esta historia se desarrolla en dos partes casi simétricas: la primera parte, que podemos definir de cruel, mostraría la humillación de la belleza a la fealdad; la segunda, la terrorífica, desarrollaría la humillación de la fealdad a la belleza; pero con una pequeña diferencia: mientras que en la primera parte lo monstruoso se agazapa en lo bello; en la segunda, lo monstruoso es mostrado como un acto contra la crueldad de esa belleza que los ha excluido y marginado, tomando la venganza como un acto de hermandad.
Es curioso cómo Browning presenta estos dos mundos. Mientras que el de la fealdad tiene algo de paraíso perdido, el de la belleza está presentado desde la avaricia; pero más magistral es cómo presenta el terror. De nuevo el terror no surge por la naturaleza de estos “freaks”. La modernidad de Browning nos aclara que el terror es una cuestión de mirada… Puede que la normalidad domine la vida, o el aire como en el caso de la trapecista, pero el suelo, el suelo pertenece a los “freaks”… y es desde esa mirada baja desde donde controlarán toda la puesta en escena que a partir del banquete de bodas transformará la existencia de Cleopatra y Hércules en un tormento.
“Freaks” es una película extraña, fascinante, de una poética insólita. Una obra maestra excepcional e irrepetible.
Una de las consecuencias de esta película fue la aparición en inglés del término Freaks para designar algo o alguien anómalo, anormal, extraño, marginal. El término posteriormente fue adoptado por el idioma español para nombrar, de forma genérica, primeramente a personas o comportamientos que se salen de la normalidad, las cuales presentaban un sentido más transgresor de las normas o comportamientos sociales; lo cual con el paso del tiempo se alejó cada vez más de su significado original en inglés, hasta adquirir otro significado. Así la palabra castellanizada como "Friqui" se refirere a la persona interesada u obsesionada con un tema, afición o hobby en concreto sobre cualquier interés o gusto específico o desmesurado; los cuales pueden presentar distintos niveles de "frikismo", siendo el más extremo el llevar su afición o interés hasta el punto de convertirlo en una forma de vida, abarcando actualmente el término a una variedad de personalidades y grupos.
Fuente: FilmAffinity y Wikipedia

Habemus papam

Se cierra la votación y tenemos películas favoritas para ver los viernes de octubre.

Estos son los resultados:

• Kiss kiss bang bang y El tesoro de Sierra Madre: 7 votos.
• Esta tierra es mía: 5 votos.
• Sin novedad en el frente, La edad de la inocencia y Hair: 4 votos.
• La vaquilla, La costilla de Adán y Ciudad de Dios: 3 votos.
• Los violentos de Kelly: 0 votos.

A la vista de esto, teniendo en cuenta que había que elegir 4 y hay un triple empate en la cuarta posición, la voz de los supertacañones ha decidido que la cuarta elegida sea Hair por tratarse de una cinta con una temática, ambientación y época muy diferente de las otras 3. Así damos más variedad a la selección, que queda como sigue:
Kiss kiss bang bang, El tesoro de Sierra Madre, Esta tierra es mía y Hair.
El orden en que las veremos ya se decidirá.
Muchas gracias a quienes han votado.

Vicky Cristina Barcelona.

Éste ha sido mi estreno de fin de semana. Vale la pena pagar por ella y en España era bastante esperada, pero creo que fuera de ella dará mucho menos que hablar. La película, que el mismo Woody Allen reconoce haber hecho porque alguien de Barcelona lo llamó y le prometió financiarsela si rodaba una película en Barcelona, por momentos da la sensación de estar rodada por un Woddy Allen descafeinado y más bien alquilado. El problema del doblaje es otro. La elección de estrenarla en España totalmente doblada, aparte de asignarle a Bardem una voz que no le va nada, no tanto a Penélope, hace perder casi todo su sentido a las escenas en que Bardem y penélope se pelean o dicen tacos en español, pidiendo Bardem a Penélope en varias ocasiones que hable en inglés para que Scarlette la entienda, lo que fué traducido por "cálmate o sé positiva" "prou, si us plau" en catalán, mientras Scarlette aparece muy descolocada. La película también ha sido traducida al catalán, de hecho en cataluña se han distribuido 16 cintas en castellano 16 en V.O y 36 en catalán. No soy partidario de traducir ni del catalán al castellano ni viceversa en las películas en que se usan varias lenguas, prefiero subtitular y escuchar las voces de los actores. Por otra parte Woddy Allen se ha defendido de las críticas que lo acusan de que Barcelona parezca mas bien Sevilla diciendo que él ha retratado la Barcelona que ven dos turistas americanas. Y es que en todo el film no se ha rodao en original ni una frase en catalán. Para concluir hay que verla en V.O.S.

M, el vampiro de Düsseldorf

Un asesino de niñas tiene atemorizada a toda la ciudad. Mientras la policía sigue su frenética y desesperada búsqueda, deteniendo a cualquier persona mínimamente sospechosa, los líderes del hampa, encendidos por las redadas contra ellos, deciden encontrar al asesino ellos mismos.
Cuando la industria del cine estadounidense sostenía que la llegada del cine sonoro únicamente servía para adaptar obras de teatro y realizar musicales M, el vampiro de Düsseldorf fue un bofetón en la cara. En el continente de las ideas, Hitchkock comenzaba a destacar así como Buñuel, Gance o Vigo y por supuesto, Fritz Lang. Para Hollywood un film como aquel no era viable, hasta que lo vieron, claro.
Lang la estructuró en tres partes. La primera se encarga de mostrarnos al asesino y sus consecuencias. En la segunda el espectador asiste a la competencia desatada entre las fuerzas del orden -criticadas por su falta de resultados- y los bajos fondos -hostigados por la policía en su busqueda del asesino- para llegar al mismo fin pero con diferentes métodos. Y en la tercera -la más sobrecogedora- una caza al hombre sin cuartel.
Fritz Lang consiguió con M, el vampiro de Düsseldorf dibujar el perfil de sicópata que más tarde seguirían todos sus colegas con los matices correspondientes a cada caso. En la escena final, Peter Lorre encoge el corazón de cualquier espectador con su monólogo final, consiguiendo un cierto grado de empatía con el público, caso éste muy difícil de conseguir por un actor y solo al alcance de los genios de la interpretación. Un crítico de cine definió el rostro de Lorre en El Halcón Maltés como el más extraño y desasosegante de la Historia del Cine. En M, también se podría decir lo mismo del actor.
Destacar también la actuación del jefe de los bajos fondos así como su atuendo y su aire marcial, ácida crítica de Lang hacia el nazismo que se les venía encima. El único pero es un contrapicado de tres segundos en el que se ve al comisario espatarrado en una silla y marcando paquete. Demasiado. Final épico y vanguardista.
La película que jamás aprobarían los de la LIGA ANTI TABACO.
Una delicia visual y sonora que cautiva y emociona a partes iguales.
"¿Quiénes sois vosotros para juzgarme a mí?"
Fuente: FilmAffinity

Maravillosa interpretación silbada de "En el salón del rey de la montaña", de la obra Peer Gynt de Edvard Grieg. Cuentan que fue el mismo Fritz Lang quien dobló a Peter Lorre en los silbidos en su primera película sonora y la penúltima que rodó en Alemania, allá por 1931. Podemos disfrutarlo en el fantástico tráiler que aparece a continuación.

Nosferatu

Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de finca en Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo camino, Hutter pernocta de una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde, que se excita cuando el joven se corta un dedo. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen...
"Nosferatu" fue una libre adaptación de la novela de Bram Stoker ”Drácula” a la que se cambió el nombre para no tener que pagar derechos de autor. La viuda de Stoker logró que se reconociese la autoría, y obtuvo una orden judicial para destruir los negativos y todas las copias de la película. Las copias distribuidas en el resto del mundo impidieron su total desaparición.
Obra clave del expresionimo alemán, "Nosferatu" es un clásico del cine de vampiros en el que queda grabada en la memoria el terrorífico Max Schreck, un ser esquelético de mirada sobrecogedora, uñas largas y orejas puntiagudas. No sólo pasa por ser uno de los films de terror más poéticos de todos los tiempos, es que además... ¡da verdadero miedo!
Fuente: www.filmaffinity.com/es

Animacor

Noticia aparecida en Diario Córdoba el pasado día 15 de septiembre sobre el Festival de Animación Animacor, en cuyo comité de selección se encuentra nuestro forajido Juan Pérez Gama.

Animacor admite 56 obras de 18 países a concurso

Un comité ha escogido 6 largos, 7 series de televisión y 43 cortometrajes. Aumenta la participación de obras realizadas en Andalucía.

El cuarto Festival Internacional de Animación de Córdoba, Animacor 2008, que se celebrará del 3 al 8 de noviembre, contará con 56 obras en su sección oficial competitiva, según informó la organización en una nota.

El comité de selección, compuesto por profesionales del sector como los animadores Matías Marcos, Juan Antonio Pérez Gama, Manuel Trujillo Mena, y el diseñador de fondos Miguel Angel Aísa, ha seleccionado 6 largometrajes, 7 series de televisión y 43 cortometrajes. El Festival ha recibido este año un total de 273 obras (12 largometrajes, 23 series y 238 cortometrajes), 24 títulos más que en la edición anterior. Destaca también la presencia cada vez mayor de obras procedentes de Andalucía (2 series, 2 largometrajes y 13 cortometrajes) y la creciente calidad de las obras recibidas.

La cuarta edición de este certamen, patrocinado por la Diputación, la Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía, la Delegación de Igualdad y Bienestar Social, contará con trabajos procedentes de diversos países: EEUU, Francia, Alemania, México, Australia, Argentina, Bélgica, Canadá, Alemania, Croacia, Suiza, Portugal, Italia, Hungría, Rusia, Países Bajos, Reino Unido y España. Animacor busca convertir la ciudad de Córdoba en el escaparate de la animación internacional. El importe de los premios en metálico de la sección competitiva asciende a 39.000 euros, repartidos en categorías: el de Mejor Largometraje, dotado con 12.000 euros; los premios primero, segundo y tercero al mejor cortometraje, dotados con 9.000, 6.000 y 3.000 euros, respectivamente; y el de mejor serie, con 6.000 euros.

El gabinete del doctor Caligari

Sentado en un banco del parque, Francis le cuenta una historia a su compañero: en la ciudad de Holstenwall, situada al norte de Alemania, aparece de repente una feria ambulante, y Francis convence a su amigo Alan, estudiante, para que vaya a verla con él. El Dr. Caligari, uno de los componentes de la feria, le pide a un empleado del Ayuntamiento que le consiga los permisos necesarios. El empleado se burla de él y al día siguiente aparece asesinado. Francis y Alan, que están en la feria, acuden a ver al Dr. Caligari y a su sonámbulo, Césare. Este lee a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.
Rodada por Robert Wiene en 1920, luego de que Fritz Lang dimitiera debido a un compromiso en otra cinta. El film se divide en seis actos en los que somos testigos de las peripecias del Dr. Caligari (Werner Krauss) y su eterno y misterioso acompañante Cesare (Conrad Veidt) en un pequeño pueblo germano, iluminado por la llegada de una feria, pero también azotado por varios crímenes exentos de un perpetrador.
Magnifica puesta en escena, un diseño de producción vanguardista, en el que se denota una mezcolanza de bizarría en los decorados y una más que lograda acentuación de perfiles psicológicos, en cuanto al extravagante y tétrico maquillaje y vestuario del reparto, los cuales merodean con un delicado aire sepulcral, cubiertos por una cuidada atmósfera espectral.
Un cuento de terror que funciona tanto por su aspecto visual como por su oscura naturaleza. Daría inicio a posteriores tendencias icónicas como los míticos monstruos de la Hammer o la influencia contemporánea contemplada en autores como Tim Burton, Terry Gilliam o David Lynch.
El film demuestra la sagacidad de Wiene en la narración, presentando como base un extenso flash back, el uso constante del iris y un prodigioso montaje que llevará al espectador a presenciar el nacimiento de una eterna duda, un relato donde la ambigüedad cobrará un nueva victima.

Fuente: www.filmaffinity.com/es

El Golem

Clásico del cine mudo alemán que cuenta la leyenda de El Golem, una estatua que cobró vida en la Praga del siglo XVI, gracias a un rabino, para liberar a los judíos de la brutal persecución a la que estaban siendo sometidos por toda la ciudad. Luego, mucho tiempo después, a comienzos del siglo XX, el Golem es encontrado entre los escombros de una sinagoga, y volverá a la vida de manos de un anticuario. Esta fascinante obra maestra del expresionismo, claro precedente del mito de Frankenstein es, seguramente, la primera gran pelicula sobre monstruos de la historia del cine, si no tenemos en cuenta las dos versiones del propio Paul Wegener, también sobre esta misma leyenda de El Golem y que, desgraciadamente, se han perdido para siempre.
Dirigida en 1920 por Paul Wegener, con fotografía del posteriormente famoso director Karl Freund. Película interesante para aproximarse a los conceptos y maneras de lo que se ha llamado expresionismo alemán. Filmada hace más de ochenta años, su visionado es imprescindible para aquellos que quieran acercarse a los orígenes del llamado séptimo arte.
Fuente: FilmAffinity

Brigada 21 Año 2001

Seguimos poniendo la colección de revistas en el blog. A continuación, los seis números de 2001.

Películas favoritas para octubre

Bueno, a la vista de las películas que nuestros forajidos tienen en DVD original en su videoteca particular y que han propuesto como favoritas, podemos hacer una votación para elegir 4 de ellas y verlas los viernes de octubre en casa de alguno de nosotros (ya lo hablé con nuestro común amigo peruano afincado en Montilla y me dijo que sin problema para verlas en su Casa; mejor arriba en la sala que en el patio por aquello de que hará ya más frío por la noche). En fin, cuánto eufemismo, confío en vuestra inteligencia.

Las películas son las siguientes:

• Kiss kiss bang bang
• El tesoro de Sierra Madre
• La costilla de Adán
• La edad de la inocencia
• Hair
• Los violentos de Kelly
• Ciudad de Dios
• Esta tierra es mía
• Sin novedad en el frente
• La vaquilla

Dejad un comentario a esta entrada con vuestras 4 preferidas, teniendo en cuenta que no se puede votar a las propuestas por uno mismo.

Mi tesoooooro

Bueno, estaría bien que indicáseis cúal de esas pelis que tenéis en vuestra videoteca particular no os importaría presentar en público. No se si me entendeis....

Indicad vuestras preferencias al respecto en los comentarios.

Brigada 21 Año 2000

Con esta entrada iniciamos una serie que tiene por objetivo presentar en este blog todas las revistas Brigada 21 que hasta ahora hemos sacado en la Asociación, empezando por aquel número 00 de noviembre de 1999. Junto a ella, a continuación, los 6 números de 2000.

El fantasma de la ópera

La más conocida de todas las películas que protagonizó Lon Chaney fue, sin lugar a dudas, El fantasma de la ópera, la adaptación a la gran pantalla de la novela de Gaston Leroux, dirigida por Rupert Julian y producida por la Universal, el gran estudio del terror clásico, en 1925. En ella, el hombre de las mil caras demostró a la perfección el porqué de ese apelativo.
A pesar de los años pasados y de las versiones posteriores realizadas de la obra, ésta sigue siendo la mejor de ellas y aún sorprenden muchas de sus escenas por la magnificencia y el impacto cinematográfico que todavía mantiene.
El argumento, bastante conocido, gira en torno a un hombre deformado que habita los sótanos de la Ópera de París, cuya presencia misteriosa ha hecho aparecer el rumor de la existencia de un fantasma, que se enamora de una cantante a la que instruirá y ayudará para que se convierta en la estrella de la Ópera. Obviamente, ese amor no es correspondido y eso llevará a Erik (que así se llama el protagonista) a raptar al objeto de su deseo.

El jorobado de Notre-Dame

En 1923, el desconocido Wallace Worsley recibió por parte de la Universal el encargo de dirigir la adaptación de la famosa novela de Víctor Hugo, El jorobado de Notre-Dame. Era la época del esplendor del cine mudo y, en concreto, de una de sus máximas estrellas, Lon Chaney, el hombre de las mil caras.

Conocido así por sus caracterizaciones de todo tipo de personajes, sobre todo de terror, para los cuales él mismo creaba los maquillajes, la película era un vehículo diseñado a la mayor gloria de Chaney en el papel de Quasimodo, el deformado campanero de la catedral de París, obsesionado y enamorado de la belleza de la zíngara Esmeralda, a la cual decide secuestrar.

Aunque no se trata de la mejor versión de la obra de Víctor Hugo (la que William Dieterlee rodó en 1939 con Charles Laughton y Maureen O'Hara como pareja protagonista era superior), lo que destaca de ella es la interpretación de Lon Chaney en una de las caracterizaciones que lo encumbraron como uno de los mitos del cine mudo y de terror de todos los tiempos. Un clásico muy recomendable de ver, por lo tanto, que no debe dejar de disfrutar cualquier cinéfilo y amante del género que se precie de serlo.

A continuación, un tributo a el hombre de las mil caras, fallecido en 1930 después de que se le ofreciera el papel de Drácula, que al final acabó rodando Bela Lugosi.

Chapeau por la HBO.

Después de ver ayer el primer episodio de la serie "The wire", en España "Bajo escucha", no he podido posponer por más tiempo mi idea de comenzar una serie de entradas sobre las series de la HBO. El rasgo común de las series que comentaré es el de un realismo y verosimilitud en los personajes casi imposible de encontrar en cualquier otra productora. Por supuesto la HBO tiene series de muy distinto tipo pero son las históricas las que me han cautivado, era ponerme delante de televisor a ver Roma y pensar que estaba viendo a los verdaderos Julio Cesar y Marco Antonio. Las series de la HBO tambien se permiten algunas licencias y no son del todo fieles a los hechos históricos en pos de la agilidad del argumento, pero la verosimilitud de sus personajes nos hace pensar que efectivamente debieron actuar y pensar así.
Recomiendo encarecidamente las siguientes series, "Deadwood" "Roma" "Hermanos de sangre" y "The wire". En octubre, Canal + presentará Generation Kill. Del creador de The wire, David Simon, esta serie de siete capítulos se centra en los primeros 40 días de la guerra de Irak de 2003 a través de las experiencias de una unidad de marines estadounidense. No he visto nada de Generation Kill aún pero la HBO es una garantía de calidad y realismo. En próximas entradas comentaré las series que he recomendado.

Brigada 21 Septiembre 2008

Ya publicada la edición de julio de 2008 de la revista de la Asociación Forajidos. A leerla y difundirla. Y a opinar en ella y el blog.

El hombre lobo

La mítica figura del licántropo, presente en las leyendas y mitologías populares de numerosas culturas, tampoco escapó a la Universal. Ya en 1941, dando los últimos coletazos a sus clásicos de terror, el estudio creado por Carl Laemmle se atrevió a llevar a la gran pantalla al hombre lobo. La película, dirigida por el semidesconocido George Waggner y protagonizada por el hijo del gran Lon Chaney, el hombre de las mil caras, pionero del género, es una de las producciones de terror más flojas de la Universal en la década de los 30.

Sin embargo, en su haber tiene ser la que dio forma cinematográfica a este legendario personaje y la que lo dotó de muchas de las características que posteriormente se han ido repitiendo en todas las versiones que se han hecho del hombre lobo.

Recordada es también la frase que aparece en la película: "Incluso un hombre que es puro en corazón / y dice sus rezos en la noche / Puede convertirse en un lobo cuando la belladona (o "azote de lobos") florece / Y la luna de otoño brille".